Exposición temporal Del Museo nacional del prado

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Museo Nacional del Prado, “El Joven Ribera”

La exposición del Museo del prado “El joven Ribera” reúne, del 5 de abril al 31 de julio, 32 obras, entre ellas los principales hallazgos de esta apasionante labor de investigación, llevada a cabo por los grandes especialistas en el pintor: Spinosa, Papi, Milicua, Finaldi… La muestra arranca con el cuadro que dio origen a la confusión de autoría, «El Juicio de Salomón», y le acompañan grandes obras de las dos series principales que hizo Ribera en su etapa romana: un Apostolado que perteneció al propio Longhi y tres de las pinturas de la serie «Los cinco sentidos» (maravilloso, «El Olfato», de la colección Abelló). En la misma sala, un «San Jerónimo» —primer cuadro que firma Ribera—. Curiosamente, el Prado exhibe en su colección permanente otro «San Jerónimo» de este artista, última obra que firma, en 1652, año de su muerte.

Una segunda sala la copan cinco grandes composiciones, encargadas por sofisticados coleccionistas romanos y creadas por Ribera como cuadros de historia y no devocionales, pese a su temática religiosa: «Jesús entre los doctores», «La negación de Pedro» —también atribuida durante años al Maestro del Juicio de Salomón— o «La resurrección de Lázaro», única obra de juventud de Ribera que atesora el Prado. Fue adquirida en una subasta en Nueva York en 2001. La compra no estuvo exenta de polémica, pues surgieron dudas sobre su autoría, pero el profesor Milucia siempre la defendió y se siente muy orgulloso de que ese cuadro esté hoy en el Prado. Ribera demuestra con estas grandes composiciones que la pintura naturalista sí es adecuada para pintar este tipo de historias. Junto a ellas, un «Martirio de San Lorenzo», procedente de la Basílica del Pilar de Zaragoza, que es una de las novedades en este nuevo catálogo del Ribera joven. La tercera sala comparte obras realizadas en Roma y en sus primeros años napolitanos. Es muy interesante comparar dos «San Pedro y San Pablo» con estilos bien distintos pintados con tan pocos años de diferencia. Uno de ellos está también firmado.

La exposición se cierra con una sala íntegramente napolitana en la que las obras ya son plenamente devocionales, pintadas para avivar el sentido religioso del espectador. Comenta Javier Portús que en estos años emerge en la pintura de Ribera el cuerpo masculino desnudo como campo de dolor y santidad, que ya no abandonaría nunca en su prolífica y fecunda carrera. Espléndida, la «Lamentación sobre el cuerpo de Cristo muerto», de la National Gallery de Londres. De la serie de la Colegiata de Osuna se exhiben dos obras. Destaca especialmente el espectacular «Calvario», obra maestra absoluta de Ribera. Desde el Prado se anima a los visitantes a visitar, después de recorrer la muestra, las salas de este artista en la colección permanente para comparar el joven y el maduro Ribera. En mayo esta exposición tan viva e interesante tendrá continuidad con un curso donde los grandes especialistas en Ribera seguirán discutiendo sobre nuevas atribuciones. Seguro que su catálogo seguirá ampliándose.

Comisarios

José Milicua, Catedrático Emérito de Historia del Arte de la Universidad de Barcelona

Javier Portús, Jefe de Conservación de Pintura Española del Museo del Prado

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Museo Nacional del Prado

Paseo del Prado, s/n

28014 Madrid (Madrid)

museo.nacional@museodelprado.es

http://www.museodelprado.es

Tel.:+34 913302800/ +34 902107077

Fax.:+34 913302856

Boletín Setdart Subastas número 210

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En el siguiente enlace tienes nuestro boletín Setdart Subastas número 210:

Boletín Setdart Subastas

El Bodegón español en el Prado

El recientemente inaugurado Centro de Arte de Alcoy (CADA) acoge El bodegón español en El Prado, una exposición que muestra una selección de 61 obras del Museo del Prado que visitan la ciudad por primera vez. En la ciudad alicantina se cierra la itinerancia de esta muestra tras su paso por Zaragoza, Tenerife, La Coruña, Valladolid y Murcia, donde pudo ser admirada por casi 123.000 personas

Comisariada por Juan J. Luna, jefe del Departamento de Pintura del siglo XVIII del Prado, la exposición está compuesta por obras de 27 artistas diferentes, entre los que se incluyen los pintores más destacados de la escuela española que cultivaron el género, como Van der Hamen, Ramírez, Fernández ‘el Labrador’, Zurbarán, Hiepes, Camprobín, Ponce, Arellano, Meléndez, Paret y Alcázar, Castillo, Goya, Espinós, Parra y Lucas.

La notable calidad y variedad de las obras seleccionadas ha sido posible, entre otras razones, debido a la reciente adquisición por parte del Museo de 40 naturalezas muertas españolas procedentes de una colección privada, muchas de las cuales forman parte de esta exposición.

Una de las obras destacadas de la muestra alcoyana es una obra de Jacinto Espinosa –Vendedores de fruta– recientemente adquirida por el Prado y que solamente ha sido vista antes en Valladolid y Murcia. ?Otra novedad de esta itinerancia es la incorporación de dos cuadros de Meléndez que no se han visto en el resto de ciudades así como La Magdalena Penitente de Mateo Cerezo.

Singular proyecto

Esta muestra se encuentra entre las propuestas de la iniciativa Prado Itinerante que busca compartir el rico patrimonio y las colecciones de la pinacoteca madrileña con los ciudadanos de todo el país. La exposición constituye un acontecimiento cultural de destacado interés, considerando la extraordinaria calidad de las obras que se han reunido, la importancia de los maestros que las realizaron y la amplitud cronológica que abarca.

Tan singular proyecto, compuesto exclusivamente por cuadros del Museo del Prado, ofrece a los visitantes la oportunidad de observar y valorar la rica evolución de la escuela española consagrada a la naturaleza muerta y admirar el genio de sus creadores, puesto que fueron muchos los pintores de primer orden que se dedicaron con sus pinceles a reflejar aspectos del mundo en derredor, con una maestría que hoy permite apreciar numerosos pormenores de la vida cotidiana de diferentes épocas.

La pintura de bodegones contribuye a establecer una de las múltiples facetas de la imagen histórica que se tiene de España, merced al punto de vista que ofrecen sus temas del día a día, en este caso los alimentos, los objetos de cocina y los utensilios caseros habituales, así como ciertas formas de las relaciones sociales, la gastronomía, las cocinas e incluso el ámbito de la decoración; además goza de una especial significación en razón de la carga simbólica que gran parte de sus obras poseen, debido a las alegorías que encarnan y a los mensajes que difunden, que van desde el espíritu religioso hasta la expresión material de la prosperidad.

 

Los pintores

Juan Van der Hamen y León, Juan Fernández “el Labrador”, Felipe Ramírez, Francisco de Zurbarán, Juan Bautista Espinosa, Tomás Hiepes, Pedro de Medina, Mateo Cerezo, Pedro Camprobín, Antonio de Pereda y Salgado, Ignacio Arias, Antonio Ponce, Miguel March, Juan de Arellano, Bartolomé Pérez, Gabriel de la Corte, Vicente Victoria, Luis Egidio Meléndez, Luis Paret y Alcázar, José del Castillo, Francisco de Goya, Juan Bautista Romero, Benito Espinós, Bartolomé Montalvo, José Romá Miguel Parra y Eugenio Lucas Velázquez

 

Catálogo

Como es habitual la exposición contará con su correspondiente catálogo, con edición a cargo de su comisario Juan J. Luna, que se podrá adquirir en los puntos de venta de la sala de exposiciones al precio de 21,50 €.

 

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Centre d’Art d’Alcoi

C/ Rigoberto Albors, 8

03801 ALCOI

Tel. 965544233

Lunes cerrado

Martes a sábado: 10:00h a 14:00h y 16:00h a 20:00h

Domingos y festivos: 11:00h a 14:00h

http://www.tucamon.es/cada

 

Torso masculino de púgil romano. Imperio Romano, siglo II.

En mármol blanco.
La escultura que apoya su peso en su pierna izquierda. Su pierna derecha se encuentra en posición levemente inclinada de forma relajada, y sus brazos aparecen ceñidos al cuerpo en posición de descanso. Tal tratamiento de la posición estante en contrapposto recuerda a la escultura griega clásica, y muy especialmente al Doríforo o al Efebo de Policleto. Su musculatura está desarrollada, por lo que se trataría de un hombre adulto. La pieza en origen era sujetada por un “puntello” a un tronco para aumentar la estabilidad de la escultura, como es habitual en obras exenta clásica. En cuanto a la textura, hoy degradada en algunas partes, muestra una obra de gran calidad de ejecución en mármol blanco.
Pese al estado fragmentario del la escultura, de la que se conserva en buenas condiciones el torso, con la cabeza y cuello faltantes, y los brazos derecho están rotos un poco más abajo del hombro, y las piernas por la parte superior del muslo, se trata de una escultura de gran calidad.
La pieza incluye una peana de hierro que sustenta la escultura sobre la pierna izquierda.
Procedente de una colección privada inglesa, adquirido en la década de 1980.
Medidas: 51 x 37 cm.

Nuevas subcategorías en Setdart siglo20

Hemos incorporado nuevas subcategorías en nuestra subasta Setdart siglo20. En concreto Iluminación, Mobiliario y Vintage.

GALOFRE XIMENIS, Baldomero (Reus, Tarragona, 1846 – Barcelona, 1902). “El rapto”, c. 1880.

GALOFRE XIMENIS, Baldomero (Reus, Tarragona, 1846 – Barcelona, 1902).
“El rapto”, c. 1880.
Óleo sobre lienzo.
Se adjunta certificado emitido por Carlos González López y Montserrat Martí Ayxelá, doctores en Filosofía y Letras, historiadores del arte, críticos y miembros de la Organisation Mondiale de la Presse Periodique.
Medidas: 62 x 105 cm.
Baldomero Galofre inicia su formación en la Escuela de La Lonja de Barcelona, donde fue discípulo de Martí Alsina, y más tarde completa sus estudios en Madrid. Se dio a conocer en 1866 en la Exposición de Bellas Artes de Barcelona, donde volvería a participar en 1870, y en 1868 concurrió con paisajes y estudios a la Exposición Aragonesa de Zaragoza. En 1874 obtiene una pensión para ampliar sus estudios en Roma, ciudad donde residirá durante diez años. Allí acudirá a la Academia Giggi y al Círculo Internacional de Arte, y conocerá a Mariano Fortuny en los últimos meses de su vida, siguiendo las pautas estilísticas de su compatriota. De regreso a Barcelona, en 1884 celebra una muestra personal que tuvo una gran acogida; Narciso Oller elogió su gran naturalismo, y le mostró como ejemplo contra la pintura de historia. Cuatro años más tarde, en una nueva exposición individual esta vez en Madrid, una de sus obras fue adquirida por la reina regente. En 1903, en una sala especial en el Museo de Barcelona, Galofre presentó una importante exposición de su obra. Desarrolló un estilo luminoso y detallista, y plasmó paisajes y escenas populares dentro de la órbita de Fortuny. Fue, asimismo, un extraordinario dibujante. Está actualmente representado en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona y en el de Arte e Historia de Reus, entre otras colecciones tanto públicas como privadas.
En esta composición, de amplia perspectiva paisajística, la atención se centra en un grupo de jinetes, cuatro personajes masculinos ataviados como caballeros del siglo XVII, transportando entre todos en volandas el cuerpo de una mujer, espadas en alto. Frente al grupo se sitúa un galgo, y al fondo vemos la silueta de una ciudad, una bandada de pájaros que alza el vuelo y un amplio celaje. Los historiadores Carlos González y Montserrat Martí deducen que se trata de un boceto pintado por Galofre, e indican que la obra se encuentra en buen estado de conservación, no apreciándose repintes, tan sólo una restauración puntual que no afecta a la composición. Estos autores fechan la obra durante el periodo romano de Galofre, desarrollado entre 1874 y 1884. Se basan para ello en el número extraordinario que la revista “Álbum Salón” dedicó en 1903 a la memoria del pintor, fallecido un año antes. En él se habla de una importante exposición celebrada ese año, casi total liquidación del taller del pintor. Del periodo romano de Galofre se citan como expuestas “Regatas en Sorrento”, “Bufones del siglo XV”, “Pasatiempos de un príncipe”, “El juramento” y “El rapto”, entre otras. La pintura que aquí presentamos podría tratarse de un boceto de esta última, según las investigaciones de González y Martí. En esta obra se advierte la notable influencia de Fortuny propia de este periodo, tanto en la composición como en el asunto, dado que se trata de un tema tratado por el maestro dentro del orientalismo, que Galofre traslada al siglo XVII.

Sistema de seguimiento y alertas de Subastas

Setdart pone a disposición de sus clientes un nuevo sistema de seguimiento y alertas para mantener informados a nuestros usuarios acerca del estado de los lotes adquiridos.

Este nuevo servicio de alertas, permitirá al comprador mantenerse informado por correo electrónico sobre la evolución del proceso de compra de la pieza adquirida, proporcionando al usuario información actualizada sobre el estado su lote mediante un email confirmando al usuario la adquisición del lote por el que ha pujado, en el que además se adjuntará la catalogación y las fotos de este.

Tambien, se mantendrá al cliente informado del proceso logístico del lote, recibiendo este, un correo electrónico en el que se le informará cuando su pieza llegue a nuestro almacén, para que pueda pasar a buscarlo si lo desea, o cuando se realice el envío para avisarle de cuando va a recibirlo en la dirección que nos haya facilitado.

Servicios de restauración

Setdart pone a la disposición de sus clientes un servicio de restauración destinado a las obras adquiridas en la subasta.

Al comprar una obra en una subasta, puede darse el caso de que ésta necesite la intervención de un restaurador para recuperar su estado óptimo. Éste puede ser un inconveniente, a la hora de pujar, si la persona no conoce a profesionales capacitados para realizar este trabajo, convirtiéndose en el motivo para no adquirir una obra.

“An Baxian”, Colmillo de marfil tallado. China, finales del siglo XIX.

Colmillo de marfil tallado. China, finales del siglo XIX.
Medidas: 40,5 x 9 x 5 cm.
Colmillo de marfil enteramente tallado con altorrelieves, representando a los Ocho Inmortales del taoísmo.

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Se trata de un grupo de deidades de la mitología china, según la cual existieron terrenalmente y nacieron durante las dinastías Tang (618-907) o Song (960-1279), viviendo en la montaña Penglai. Son adorados dentro del taoísmo, pero también en la cultura china popular. Se trata de ocho sabios que, a través de la piedad y la virtud, han alcanzado la vida eterna. Los miembros del grupo rara vez aparecen representados por separado, y sus poderes pueden ser transferidos a utensilios que pueden dar la vida o destruir el mal, conocidos como “an baxian”. Los Ocho Inmortales son Lu Dongbin, erudito y líder “de facto” del grupo; Lan Caihe, representado como un joven o niño afeminado, de comportamiento estrafalario; Zhang Guo Lao, anciano que posee una mula que puede plegar como si fuera papel; He Xiangu, única mujer del grupo; Li Tieguai, irascible pero benévolo con los pobres; Han Xiangzi, identificado por sus dotes musicales y su flauta; Zhongli Quan, líder oficial del grupo; y Cao Guojiu, protector del teatro.
En el caso de esta talla aparecen representados formando un friso, unos junto a otros, charlando entre ellos, haciendo bromas, durmiendo, etc. Aparecen acompañados por varias garzas y un cachorro de tigre, y en el extremo más estrecho se sitúan las figuras de dos niños pequeños, sosteniendo un gran melocotón y una garza. Tanto este fruto como el ave son importantes símbolos de inmortalidad dentro de la cultura china, y de ahí su destacada presencia en esta representación.

“Ocas a la orilla del lago”

MAS I FONTDEVILA, Arcadi (Barcelona, 1852 – Sitges, 1934).
“Ocas a la orilla del lago”.
Óleo sobre lienzo.
Firmado en el ángulo inferior derecho.

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Certificado al dorso por Barrachina & Ramoneda.
Medidas: 73 x 90 cm; 101 x 117 cm (marco).
Pintor y dibujante, fundador de la escuela luminista de Sitges, Arcadi Mas i Fontdevila se formó en la Escuela de La Lonja de Barcelona, donde tuvo como maestros a Antonio Caba y Claudio Lorenzale. Con veinte años participa en su primera exposición colectiva, organizada en la sala de la Asociación Artística de Barcelona. En 1873 viaja a Madrid, visita el Museo del Prado y expone en la sala Platería Martínez un cuadro que, posteriormente, compraría el rey Alfonso XII. Dos años más tarde gana la primera beca Fortuny del Ayuntamiento de Barcelona, que le permitió ampliar sus estudios viajando pensionado a Italia entre 1876 y 1886. Durante estos años, Arcadi Mas i Fontdevila visitará Venecia, Roma, Nápoles y Capri, sin dejar de participar en varias exposiciones colectivas en la sala Parés de Barcelona. Adscrito a la escuela naturalista napolitana de Domenico Morelli, en 1885 participó asimismo en la exposición del Centro de Acuarelistas de Barcelona. De regreso a Cataluña, su amigo Joan Roig Soler le animó a visitar Sitges, y de este encuentro y conocimiento nació la escuela luminista de Sitges, una corriente pictórica que reunió a otros artistas como Joaquim de Miró, Antoni Almirall y Joan Batlle. En 1887 participó en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid, y ganó una medalla por su obra “Procesión del Corpus en Sitges”. Participó asimismo en la Exposición Universal de Barcelona del año siguiente, siendo galardonado con primera medalla. En 1895 viaja de nuevo a Madrid, esta vez acompañado de Santiago Rusiñol y de Zuloaga, y posteriormente marcha a Granada con Rusiñol, Miguel Utrillo y Macari Oller, con la intención de ilustrar unos artículos del primero para “La Vanguardia”. Mas i Fontdevila ganó dos medallas más en las Exposiciones de Bellas Artes de Barcelona de los años 1894 y 1896, y en 1899 entró a formar parte del Círculo Artístico de Sant Lluc. En 1900 inauguró el Salón Rovira de Barcelona con su primera exposición individual, muestra que le consagró como maestro del pastel. Ejemplo de la relevancia de este pintor lo encontramos en el hecho de que Picasso había copiado un desnudo suyo de 1895. En esta época, además, Mas i Fontdevila colabora como dibujante en “La Ilustració Catalana”. Gracias a un donativo del mecenas americano Charles Deering, en 1913 pintó el tímpano del portal de Santa Catalina de la iglesia de San Bartolomé y Santa Tecla de Sitges. Actualmente se puede admirar “in situ” una copia, borrado el original por el paso del tiempo. En 1928 recibió el encargo de realizar uno de los murales de la Sala de Sant Jordi en el Palacio de la Generalitat de Barcelona, y en 1932 expuso de nuevo individualmente, esta vez en la sala La Pinacoteca. Con motivo del quincuagésimo aniversario de su muerte